di  Gabriele FRANCIONI

Evento "GRINDHOUSE"

18 Novembre 2007

GRINDHOUSE

di Quentin Tarantino, Robert Rodriguez

Stati Uniti 2007, 192'

Non parliamo di un film che abbiamo già visto una decina di volte e ormai in tutte le possibili varianti distribuite in Usa e Europa (versione americana, questa; versione italiana, coi film allungati e separati, passati in sala doppiati; dvd del DEATH PROOF celibe fatto arrivare dall’America, migliore dell’edizione italiana), alla faccia dei tromboni stonati, quelli già assai attempati, che se la sono presa sgangheratamente col genio di Tarantino, cui dovrebbero - tanto per rimanere sulle loro immote lunghezze d’onda - fare da sciuscià…

Non ci è piaciuta questa versione, perché sposta tutto il peso sulla prima parte, trailers fake inclusi.
Sarebbe bastato dividere in due tempi ciascun film, così da avere più spazi in cui distribuire i vari Rob Zombie, MACHETE, THANKSGIVING.
Stranissimo che nessuno ci abbia pensato, perché il risultato è che sembra di assistere a una folle corsa ematica, fracassona e divertente, contrapposta a un breve segmento filosofeggiante.
Poiché DEATH PROOF non è affatto solo dialoghi, i tagli pensati da QT per il suo film risultano davvero troppi, perché fanno scomparire ampissime e necessarissime zone in cui l’immagine pura ricompone l’equilibrio tra i pieni e i vuoti complessivi.
Senza dire poi di alcune differenze che spezzano il ritmo in più di un’occasione: i dialoghi sono diversi, più lunghi quando Zoe viene sbalzata fuori dalla Dodger e ritorna verso le compagne.
Idem poco dopo: invece del “Do you like movies?” di Zoe prima che Stuntman Mike sfasci il cartellone pubblicitario di “Scary Movie 4”, ascoltiamo un innocuo “Stay aside”.
Ancora: il tormentone “I’ve been lucky”, che torna tre volte nella versione europea, qui perde la scena del tizio con l’ombrello che va in macchina con Butterfly.
 

Simpatico il “missing reel” della lap dance di quest’ ultima, ma infinitamente meglio poterla vedere!
Anche per non accorciare troppo la seduta che ha luogo nel bar di Warren.

Inaudito - per noi accaniti studiosi di QT - sovrapporre dialogo su Kurt Russel che fotografa le ragazze prima che entrino in auto.
E assolutamente grave, come anticipato all’inizio, aver tolto tutta la parte dell’autogrill: l’acquisto di “Allure”, la suoneria killbilliana del cellulare di Rosario Dawson, Lee che canta in macchina e Stuntman Mike che accarezza i piedi di Abernathy. Nonché il cambio cromatico colore/b-n/colore.
Tralasciamo altre microdifferenze, ma pensiamo che l’insuccesso americano abbia straordinariamente giovato a DEATH PROOF - versione europea.

Continuiamo a preferire il trailer di Zombie agli altri.

Quello che contava, al di là di tutto, era vedere il film con un pubblico di alto livello, ovvero quello del SciencePlusFiction, e non quello composto dagli sbarbati spenti che pascolavano - sparuti - per le sale italiche nel mese di giugno…
Sala strapiena, godimento assoluto nel ridere all’unisono, cogliere i mille riferimenti a voce alta, applaudire…
Mancava solo Joe Dante, distante qualche sala.

è sempre sorprendente ascoltare il dialogo tra Zoe e Kim in strada, mentre Abernathy le aspetta nella Dodger: fanno l’uomo (Kim) e la donna (Zoe) poco prima di fare sesso, anche S/M.
“Non ho mai voglia di farlo prima di farlo…”, “Neanch’ io!”; “Allora inizi mettendoti sopra?”, “Ma certo, se no non mi diverto!”; “No, non usiamo la mia cintura!”, e mentre Kim indossa il “guanto”, se ne esce con: “Gli accordi erano che tu mi facevi da schiava!”, per poi lanciarsi (Zoe legata al “letto”) in un lunghissimo fucking-act a gambe aperte (sempre Zoe) o pieno di “scurrilità” (Kim).
In mezzo a tutto ciò, la mammina Abernathy ha l’“illuminazione” che la trasformerà da ragazza pudica a dirrrty-girrrl.

30/e lode

al film e all'Evento

LES MAITRES DU TEMPS/time masters

di René Laloux
Francia/Svizzera/Ungheria/Germania Ovest 1982, 78'

Nell’epoca pionieristica dell’animazione “contemporanea”, Jean Giraud/Moebius ebbe un ruolo rivoluzionario, i cui primi risultati si potevano già apprezzare in LES MAITRES DU TEMPS, splendido film di 25 anni fa scritto insieme a René Laloux. A soli tre anni da ALIEN, Moebius ritrova un pianeta dove nascono specie animali deviate, segnate da un’estetica postmodernizzante, incroci meccan/organici anni prima di TETSUO e appena dopo Giger.
Sul pianeta Perdide, calabroni giganti attaccano l’automobile del padre di Piel e il bambino comincia a comunicare con l’universo viaggiante dei possibili salvatori: ancora la dinamica terra/spazio assegna all’infinitezza del secondo una valenza salvifica, esploratrice di nuove possibilità.
La staticità stanziale dei pianeti antropizzati genera mostri, laddove l’aprirsi erratico verso nuovi mondi - on space, piuttosto che on the road - apre anche le porte della percezione.
Il tratto di Moebius si arricchisce col procedere della storia, parallelamente a un intreccio sempre più complesso.
Il segno “complessivo” di Moebius va studiato al ralenti, quindi evoca la pagina disegnata, ma non perde nulla dentro l’animazione.
Pur entro una gamma cromatica limitata, rispetto ai lavori successivi, l'estetica moebiusiana stratifica qui i piani di una fascinazione psic(hedelic)o/ipnotica che trascina lo spettatore entro una dimensione magica jodorowskiana, anche se solo a livello visivo.
 

29/30
 

cinemonstre

di Enki Bilal
Francia 2006, 67'

Un cut-up di controllata arte burroughsiana, agìta nei confronti di propri materiali, propri film, propri corpi.
Più efficace di qualunque opera in movimento di Bilal, trova nella cortocircuitazione di tracce scomposte e ricomposte il suo (non)senso più profondo.
Il nonsense conferisce ossimoricamente all’immagine quella profondità di senso assente che è propria di grandi visionari necessitanti forti storie per non perdersi in derive mimetiche di quelle di altri.
IMMORTEL AD VITAM è molto meglio fatto a pezzi, TYKHO MOON e BUNKER PALACE HOTEL (film-film) ci erano già piaciuti.
Genialmente spiazzante il ri-doppiaggio multilingue dei vari segmenti.
Un modo di fare arte necrofila, ma vitale, pulsante, capace di far schizzare brandelli di significato un po’ ovunque, senza lasciare altro che evidentissime tracce invisibili.
 

29/30

MANT

in MATINEé

di Joe Dante
Stati Uniti 1993, 20'

Il corpulento signore che in ROSEMARY’S BABY si avvicina a una terrorizzata Mia Farrow, barricatasi nella cabina telefonica nel tentativo di comunicare con chi ritiene non essere satanista, è William Castle, il produttore di quel film. Polanski non si fece problemi a lavorare con qualcuno che, pur di spaventare lo spettatore, attrezzava le sale con marchingegni elettrici per dare la scossa alle poltrone degli spettatori.
Ed ebbe ragione.
Castle aveva anche diretto la second unit di THE LADY FROM SHANGAY per Orson Welles e, oltre al quasi-biopic THIS FILTHY WORLD di John Waters (ennesimo cormaniano d’adozione), può vantare due recenti remake di film come HOUSE ON THE HAUNTED HILL e 13 GHOSTS, sicuramente amati da JD.
Sorta di Roger Corman smaliziato e più “commerciale”, Castle era un mito per il ragazzino Joe Dante da Morristown, New Jersey.
Joe jr. non si perdeva mai i doppi spettacoli del mattino: cartoon o fantascienza, non faceva alcuna differenza. MATINEè, appunto: il rifugio fantastico, il luogo astratto e colorato entro il quale perdersi, per tentare di dimenticare l’incubo di una possibile guerra nucleare.
Lawrence Woolsey, il regista di MATINEè interpretato da John Goodman, è più che semplicemente ispirato a Castle, di cui sembra la versione cartoonizzata, la deformazione affettuosa operata dal regista. Mascella ancora più larga, fisico amplificato, gigante buono e secondo papà per un’intera generazione di baby-boomers, Woolsey-Castle gira MANT, l'Uomoformica, e porta il suo film in giro per le sale della provincia americana.
Al SciencePlusFiction possiamo gustare la versione completa, un corto a tutti gli effetti, del MANT usato in MATINEè.
Mant è un piccolo, scintillante, perfetto gioiello che lancia sguardi verso gli anni ’50 facendoli propri, assumendone in chiave delicatamente parodistica le esagerazioni e le amplificazioni. In uno splendido b/n contrastato e in mezzo a infiniti shadowplays, le folli angolazioni imposte alla m.d.p. da JD risultano ancora più pertinenti, perché gigantizzano un mondo visto secondo la prospettiva dell’eterno fanciullo.
La crescita inarrestabile dell’Uomoformica, che procede secondo un ritmo inevitabilmente serrato, ci dice anche questo: Dante è praticamente perfetto quando la sintesi narrativa deve essere massima. Il formato breve o brevissimo, insomma, è straordinariamente consono alle sue iperboli visive.
 

30/e lode

Breve filmografia di William Castle come regista.

I titoli dei film bastano, da soli, a descrivere il mood di un’ epoca:

The Old Dark House (1963)
13 Frightened Girls (1963)
Zotz! (1962)
Mr. Sardonicus (1961)
Homicidal (1961)
13 Ghosts (1960)
The Tingler (1959)
House on Haunted Hill (1959)
Macabre (1958)
"Science Fiction Theatre" (1 episodio, 1956)
Uranium Boom (1956)
"The Man Called X" (1 episodio, 1956)
 

MUSHISHI/bugmaster
di Katsuhiro Otomo
Giappone 2006, 131'

di  Marco GROSOLI

Le intricate vicende di un “Mushi-shi”, un prozio giapponese degli acchiappafantasmi, nel Giappone di prima della vontata modernizzatrice. I “Mushi” sono demoni piccoli ma potentissimi, che appunto necessitano di specialisti per venire debellati. Volendo ci sarebbero mille altre volute narrative, ma lasciamo pure perdere.
Otomo, regista di animazione alla seconda prova “dal vero” con attori e tutto, non convince granché. L'impostazione visiva è indovinata: ambientazione di estrema, vellutata pacatezza naturalistica, effetti speciali piuttosto appariscenti ma insidiosamente realistici, suggestivamente in continuità con il naturalismo di base dei set.
Il grosso problema è la tenuta narrativa. Ore e ore di dialoghi ininterrotti per dipanare un filo di trama di interesse trascurabile. Qualche invenzione dignitosa qua e là, ma per il resto il risultato è soporifero. Nulla di orribile o brutto, ma francamente noioso, pesante.
 

22/30

rec

di Jaume Balaguerò, Paco Plaza
Spagna 2007, 85'

Grandissimo successo di pubblico al SciencePlusFiction di Trieste: REC, già passato alla Mostra del Cinema di Venezia di quest’anno, turba i sonni di centinaia di ragazze e ragazzi triestini, che escono dal Multisala Le Torri d’Europa discutendo animatamente attorno all’elemento perturbante del film.

Balaguerò si risveglia improvvisamente dall’incubo estetico di FRAGILE e PARA ENTRAR A VIVIR, il primo sofferente di eccesso di produzione, scegliendo l’opzione dell’antitetica e agile scorciatoia simil-digitalizzante, che non direbbe nulla di nuovo, se lo spagnolo non avesse al fianco il più fresco Paco Plaza (SECOND NAME).

In totale e continua soggettiva, quella del cameraman Pablo, si entra in un polanskiano condominio madrileno insieme al carico di cinismo voyeuristico e audience-inducted che accompagna un live-show situazionista a puntate, di cui viene mostrato il segmento pompieristico. Assistiamo, in pratica, a un piano sequenza che sarebbe infinito, se non intervenissero le interruzioni coatte agite sul povero Pablo (un vero eroe capace di fare mille cose in una volta, incluso soccombere sul lavoro senza neanche la soddisfazione di un primo piano) da un’umanità variamente inferocita e infetta.

Apparentemente niente di nuovo neanche qui - si pensi a KIKA e a decine di altre pellicole sulla mostruosità degenerativa del mezzo televisivo - e ancor meno nell’utilizzo del  ricorrente topos narrativo dell’assedio (sia interno che esterno) o della quarantena: da Romero a Friedkin (BUG) gli ammiccamenti si sprecano e si sommano al dichiarato intento di dar vita al remake urbano e non ellittico di BLAIR WITCH PROJECT.

Eppure, dal momento dell’apparizione della vecchia pre-zombie grondante sangue (la m.d.p. in movimento serve qui le necessità di una fantasmaticità rabbrividente, chiaroscurale e incerta) il film acquista una sua inarrestabile potenza, totalemente absoluta dal fardello citazionistico. è come se tutte le sequenze ambientate al piano alto, e poi nel seminterrato, contenessero una spaventosa forza visiva che cortocircuita iperrealismo e visionarietà, quasi che il non-detto di B.W.P. trovasse qui, imprevedibilmente, una plausibile mise en scène.

L’escamotage dell’effetto notte imposto alla videocamera produce immagini tra il fetale e il terminale che battono di molto - e ci costa non poco ammetterlo - l’immaginario di svariato cinema nipponico nakatacentrico, bambine capellute in primis. L’attimo in cui Jennifer sembra materializzarsi nel finale dietro la petulante conduttrice  tv,  è profondamente disturbante, al pari dello svelamento agghiacciante di un’indecifrabile  “cosa”/corpo-di-vecchia, responsabile della indicibile chiosa posta in calce a una vicenda di per sé non originalissima.

Hanno ammazzato Pablo, è vero, ma non c’importa più di tanto: lasciamo ad altri le osservazioni su coerenza e plausibilità narrative tradite, noi ci teniamo la vecchia grassa, la “cosa magra” e lo scivolamento nel nulla dell’anchorwoman petulante.

28/30

DR. PLONK

di Rolf De Heer
Australia 2007, 83'

Un'occasione mancata, un film monco, nonostante la classica durata dell'ora e mezza circa.
Più che l'inevitabile "medium" per la messa in scena di un ragionamento "alto" sulle derive del 2007, il ricorso al film muto e alla chiave comica, con repliche filologiche di siparietti dell'epoca e del genere di riferimento, sembra piuttosto un pretesto per suscitare una qualche reazione nello spettatore.

Il quale, invece, si specchia nella scelta di De Heer, rimanendo "muto" di fronte a tanto spreco e a un tipo di comicità "trapassata".
Al di là di tutto ciò, non è disprezzabile l'intento di costruire il film sui continui salti nell'epoca attuale da parte del Dr. Plonk, in partenza da un 1907 fatto di un solo interno e alcuni esterni e del quale non ci viene mostrata "l'anima", ma solo il decor. L'ultimo quarto d'ora si stacca dal resto del film, quando mostra, finalmente, l'interazione tra le due epoche.
L'intento di mostrare "la fine del mondo" rimane racchiuso in un paio di sequenze agghiaccianti (le famigliole congelate davanti al televisore, in una fissità terminale) e in poco altro.

25/30

THE HOST/ GWOEMUL

di Joon-ho Bong
Corea del Sud 2006, 119'

Già passato a Cannes 2006, THE HOST/GWOEMUL regge il confronto con gli altri film del festival e, pur fuori concorso, si colloca in primissima fila, tra i migliori di quest'edizione del SPF.
Bong-Joon Ho, che sta già lavorando a una nuova pellicola insieme a Park-Chan Wook (quindi l'avanguardia visiva più spinta del cinema sud-coreano), appronta una materia composita, che attinge all' immaginario atemporale del cinema di fantascienza per ragionare attorno allo "stato delle cose" del suo paese, incrociando iperboli visive e valore "politico" del testo.
In un contesto pre-apocalittico, ma assolutamente collocato nel presente, seguiamo le vicende di una famiglia che cerca di sciogliere i nodi di rapporti mai risolti nel momento in cui si mette alla ricerca della sorella più piccola, Hyun-Seo, rapita dal mostro acquatico (una mega-trota cyberpunk riprodotta in CGI) che fa la sua apparizione nel secondo, straordinario incipit del film.
L'animale è una "post-cosa" alienica generata dalla folle ybris di un laboratorio di sperimentazioni gestito dagli americani di stanza in Corea del Sud.

Tutto accade in velocità, il ritmo è folle, le ellissi sempre assolutamente necessarie.
Come un King Kong degli "ipertempi" che segnano questo Terzo Millennio in cui tutto va alla deriva, l'animale non uccide la piccola (amata) e nemmeno un altro bambino successivamente "vomitato" nell'incredibile nascondiglio che "the thing" ha trovato nei canali di scolo che scaricano nel fiume Han della capitale Seul.
L'animale incarna la ribellione contro la sistematica manipolazione dei corpi e delle informazioni (altro testo: la generalizzata falsità dei media è materia posta in grandissimo rilievo) operata dal governo insieme agli americani. La mutazione genetica coatta delle specie acquatiche è solo il pretesto per generare uno stato d'allarme a 360 gradi, mettere in quarantena metà della popolazione e utilizzare il "fattore giallo" (una specie di disinfestante in polvere rilasciato nell'aria durante il lunghissimo, portentoso finale) che dovrebbe provocare uno sterminio.
La famiglia, la dimensione privata di singoli che non hanno raggiunto alcuna meta pubblica, alcun successo carrieristico all'interno della struttura statale, ribalterà gli eventi, insieme ad una schiera di ribelli molto "anni '70", armati di molotov e di una purezza ideologica ormai perduta nel resto della popolazione.
THE HOST affascina, coinvolge, commuove, dimostrando quanto il cinema di (altissimo) genere sia ancora in grado di veicolare testi e idee altrimenti persi nel magma onnivoro di una cultura visiva omologata, piatta e senz'anima.

30/30

LA HORA FRIA

di Elio Quiroga
Spagna 2006, 93'

L'inizio rimanda direttamente al recentissimo di REC di Balaguerò e Plaza (tra l'altro riproposto con grande successo qui al SPF dopo il passaggio veneziano di due mesi fa): visioni notturne filtrate dall'occhio dell'ormai onnipresente videocamera digitale e fa pensare, per certi versi, al "peggio". Poi, però, l'universo che si dispiega davanti a noi, tra enclaves di umanità terminale, vita scandita da primarie necessità di sopravvivenza e presenze aliene perturbanti (questa volta sono "gli Estranei") costruiscono una buona tensione che porta all'inaspettato colpo di scene finale, che investe il senso complessivo del film e non solo alcune linee di significato.
In Usa si pensa già al remake, The Dark Hour.
 

28/30

THEM!

di Gordon Douglas
Stati Uniti 1954, 93'

Il valore di un festival si misura attraverso le "associazioni visive" più o meno trasversali che propone. Lo SPF, forte di una dimensione e di scelte che lo caratterizzano a metà tra concorso "classico" e interpretazione libera del concetto di "retrospettiva", si apre con grande libertà a tutta una serie di occasioni altrimenti non ricreabili altrove.
Sabato 17 abbiamo "linkato" il segmento di MANT, a sua volta inserito in MATINEé di Joe Dante (ma qui visto separatamente dopo la proiezione del lungometraggio d'origine e nella sua interezza), e il fantastico THEM! di Gordon Douglas.
JD, che continua a ribadire la propria natura radicalmente artigianal-sovversiva (come nella lunga, nuova, intervista concessa a KINEMATRIX, a breve inserita in questo spazio "triestino"), devo molto a tutta una generazione di filmakers "cormaniani" prima dello stesso Corman, ovvero capaci di raggiungere il massimo grado di libertà proprio quando costretti dai vincoli produttivi di un rapporto continuativo nei confronti degli studios.
Douglas (1907/1993) passò da episodi della serie "Our Gangs" a ZENOBIA con Laurel e Hardy, sino a THE DEVIL WITH HITLER(!) e THE DREAM con Elvis Presley: praticamente un surfing spietato attraverso i generi, anche quelli più bassi e commerciali.
THEM, del '54, quindi in piena Guerra Fredda e in epoca di prese di posizione etiche sul tema degli effetti dell'atomica sull'environment e sugli esseri umani, ragiona di formiche giganti che mettono a rischio il pianeta. Il tema della mutazione incontrollata (e l'insetto di riferimento) hanno dato lo spunto a Joe Dante per MANT (man+ ant), che a quasi quarant'anni di distanza dall'"originale" ritiene di dover, correttamente, applicare una sorta di calco testuale e visivo nei confronti dell'exemplum douglasiano.
THEM scioglie con nettezza, velocità e notevole orchestrazione dei ritmi narrativi la materia testuale, che ci porta da uno splendido inizio chiaroscuralmente da brivido - la contrapposizione tra l'accecante deserto in cui viene ritrovata la bambina e le scene in notturna, tra tempeste di sabbia, case sventrate e prime rivelazione del "monstrum" - sino alla precisione asettica delle analisi scientifiche e, nel finale, alla deriva urbana di un terrore "informe" che scorre sotto la pelle della grande città incapace di affrontare la qualità degenerativa delle radiazioni atomiche.
Il film "stands the test of time" (tra l'altro proiettato in anamorfico e in una copia perfetta), oltre a confermare la splendida qualità derivativa del cinema dantiano, assolutamente e definitivamente "in love", innamorato degli anni '50.

28/30

moebius redux: A LIFE IN PICTURES

di Hasko Baumann
Francia/Germania 2007, 52'

Favoloso, rivelatore, magnificamente immaginifico: il percorso a ritroso sulla vita di Moebius, l'altra presenza magica e catalizzatrice di ogni tipo di attenzione cult-mediatica qui al SPF 07, infilza i vari collaboratori del genio con ritmo pari almeno a quello con cui SilverSurfer attraversa trasversalmente gli spazi "siderali" e terreni.
Chiunque, anche il non appassionato, potrebbe fatalmente capitolare di fronte al dispiegarsi di un percorso che affascina proprio perché condotto sul doppio piano privato/ personale e pubblico (?, non c'è molto di pubblico in un "cartoonist" che concede di sè solo "facies" tendenti a nascondere il proprio sè o a porlo su un piano tra il mitico e il messianico).
Gli intervistati - favolosi Jodorowsky e Giger, già malato e con look folle - tracciano le coordinate di un personaggio definito come "inattingibile" da tutti, multiverso e sfaccettato come i suoi vari percorsi creativi (Metal Hurlant, Alien, SilverSurfer, Incal), a metà tra un infantilismo congenito e l'ego classico del genio, che da tutti allontana, fino alle fughe a Tahiti con il pazzo Appel-Aubry.
è Moebius stesso a denunciare la propria natura sfuggente e le diverse "vittime" lasciate lungo il tragitto di una vita, ma è il primo a sapere di essere mortale ("morirò banalmente...") e non infinitamente riproducibile come i propri eroi.
Per tuti (gl)i (eventuali) neofiti: andate, comprate le bellissime edizioni della serie INCAL e tutto quello che ha fatto con Jodorowsky.
Ma, ovviamente, anche gli inizi di HEAVY METAL, A NEW TOMORROW, la collaborazione con O' Bannon, il "caso-Blade Runner" e le accuse della setta di cartoonist di avere deliberatamente rubato idee, come Jodorowsky farà con Lynch per DUNE.
Ciò che attira di più e il mix di conoscenze e folli visioni degli "scriptwriter" e dei disegnatori puri: gli uni non possono vivere senza gli altri e si lanciano in simbiosi sconosciute ad altre forme dell' Arte.
Qui siamo in una NO MAN'S LAND nella quale sprofondare, col rischio di innamorarsene al punto da non voler tornare più indietro.

30/e lode

JADESOTURI

di Anti-Jussi Annila

Finlandia/Estonia/Paesi Bassi/Cina 2006, 104'

Ecco una delle tante nuove scoperte del mondo sommerso, e talvolta, emerso, della Sciencefiction: il blockbuster finnico (che però, di questi tempi, se vuole attraversare i territori delle arti marziali, deve per forza andare in Cina). Ne consegue un'imbastitura simpaticamente improbabile della storia, per cui il protagonista (Sintai/Kai a seconda delle due epoche in cui lo vediamo agire) è sì cinese, ma di madre "proveniente da una terra molto, molto lontana", il ché ne spiega i tratti scandinavi.
JADE OF WARRIOR/JADESOTURI è stato un blockbuster della scorsa stagione finlandese, ma i cinesi non l'hanno pensata allo stesso modo. Certo, la forzatura iniziale è notevole e il wuxiapian in salsa finnica non ha le destrezze del caso, ma l'insieme, forse proprio per la sua fantasiosa improbabilità, si lascia guardare.
Sintai/Kai ama, ma non dovrebbe, la splendida Pin Yu (Jing Chun Zhang, già vistissima altrove, magari poi lo diremo), già impegnata.
Siamo circa nel 2000 A.C. -ma, anche qui, le date sfumano nella nebbia della scienceficitionalità - è la cosa distrae il nostro dal potere, essendo il Figlio del Fabbro ("Blacksmith"), uccidere, lui e lui solo, il decimo figlio del Mostro...
Nelle varie reincarnazioni, Kai/Sintai dovrà decidersi a rinunciare una buona volta alle grazie della Bella e rimanere bestialmente il rude forgiatore di epici metallici, tra scintillii notturni e forgiature di spade varie. 2006, la bellissima fidanzata finlandese (altra rivelazione del festival: Krista Kosonen) lo lascia, in modo da consentirgli quella catartica redenzione che passa attraverso la rinuncia alla "selfish greed" di voler inseguire sesso & amore a dispetto dei propri doveri epico-narrativi: in fondo il 10° figlio del Mostro è lì che aspetta da 4000 anni di essere debellato.
A parte alcuni buchi nello script, il film è una discesa negli abissi dell'incomprensibilità linguistica da parte dello spettatore medio-pigro, che non vuole leggere i sottotitoli proprio per gustare il continuo passaggio dal mandarino al finlandese: mitico!

26/30

CHRYSALIS

di Julien Leclercq

Francia 2007, 94'

Un discreto cyberpunk movies, che raccoglie ed elabora secondo la consolidata tradizione di Enki Bilal e Pierre Jolivet temi ed estetica di un genere che va amato o rigettato in toto, a seconda dell'approccio verso la cultura CP in termini di cliché grafici. Senza i voli di fantasia di Bilal e con una struttura più legata al classico poliziesco francese, CHRYSALIS vorrebbe essere MINORITY REPORT incrociato con GATTACA, com'era nelle intenzioni del regista, ma finisce col somigliare di più ad un buon frullato di SIM/ONE, IMMORTAL AD VITAM (di nuovo: per il design della CGI messa in mostra, metallico-litoide a seconda delle situazioni) e PAYCHECK.
Al di là dell'essere spazialmente asfittico come buona parte dei prodotti CP, il film soffre un po' dell'acerbo tentativo d'innestare invenzioni "dickiane" (la solita memoria umana cancellata o rimodellata) su un corpo testuale da action-movie con tanto di scontri fisici molto marziali.
Si potrebbe comunque ricavare qualcosa di molto buono, date le ottime performance del quartetto di attori protagonisti (bellissima Melanie Thierry, una rivelazione), ma la mancanza d'aria e la voluta, ineluttabile ambientazione in interni invivibili né ora né nel supposto 2025 ( ma che senso hanno, ormai, queste date? sarà tutto più o meno com'è adesso...), rendono l'insieme abbastanza duro da digerire.
I superappassionati del genere gradiranno, anche se molte cose sono state già viste e non solo in MINORITY REPORT (un po' gratuita l'operazione al cuore) , ma nel nostro LUMINAL di Andrea Vecchiato, che "01" distribuisce in Italia, finalmente, in queste settimane.
Il cagnolino cyberpunk è più di una semplice citazione!

26/30